ANNÉE 1

propédeutique

L’année initiale est pour la plupart des étudiant.e.s une première expérience de formation artistique. Son rôle principal est donc de vérifier la pertinence de leur orientation et, le cas échéant, de les diriger vers une formation plus adaptée à leurs attentes et aptitudes.

La première année, commune aux deux options, expérimente les disciplines liées au domaine de l’art comme au domaine du design, aboutissant au choix de l’option pour l’intégration en deuxième année. Des modules dédiés accompagnent ce choix. Elle s’attache à la découverte et à la connaissance des outils fondamentaux de la perception, de l’expérimentation et de l’analyse: pratique du dessin, comme moyen de recherche et de compréhension (dessin construit, dessin d’idées, dessin de perception, croquis.

les enseignements

semestre 1

UE1 — INITIATION AUX TECHNIQUES ET AUX PRATIQUES PLASTIQUES TOTAL ECTS 18
Conception / édition : les fondamentaux visuels — Structure Bâtons 4
Dessin d’espace — Axelle Grégoire 3
Image photographique — Alexandre Perigot 2
Prise de vue — Christl Lidl 2
Volume — Claude Cattelain 2
Formes utiles — Martial Marquet 2
Couleur/Espace — Nicolas Guiet 1
Gravure — Delphine Mazur 2
UE2 — HISTOIRE, THÉORIE DES ARTS ET LANGUE ÉTRANGÈRE TOTAL ECTS 10
Histoire et théorie du design — Elizabeth Hale 3
Histoire et théorie de l’art — Christophe Leclercq 3
Ressources et documents — Christophe Leclercq 2
Actualité de l’art et du design en anglais — Stéphanie Mahieu 2
BILAN DU TRAVAIL PLASTIQUE ET THÉORIQUE TOTAL ECTS 2
Module complémentaire au 1er semestre
Techniques photographiques - Clément Brugger (atelier image : 14h)
Jean-Baptiste Talma (atelier volume : 14h)
Structure bâtons (atelier autonome : 28h)
Travaux personnels en atelier volume : 78h

semestre 2

UE1 — INITIATION AUX TECHNIQUES ET PRATIQUES PLASTIQUES TOTAL ECTS 16
Dessin d’espace — Axelle Grégoire 2
Dessin modèle vivant — Delphine Mazur 2
Couleur/Espace — Nicolas Guiet 1
Vidéo — Christl Lidl 1
Image photographique — Alexandre Perigot 1
Module Design 3
Module Art 3
Formes utiles — Martial Marquet
Volume — Claude Cattelain 1
Edition/conception — Structure Bâtons 1
UE2 — HISTOIRE, THÉORIE DES ARTS ET LANGUE ÉTRANGÈRE TOTAL ECTS 10
Histoire culturelle du design — Elizabeth Hale 2
Transversalités — Antinéa Féron 2
Histoire et théorie de l’art — Christophe Leclercq 2
Ressources et documents — Christophe Leclercq 2
Actualité de l’art et du design en anglais — Stéphanie Mahieu 2
BILAN DU TRAVAIL PLASTIQUE ET THÉORIQUE TOTAL ECTS 4


conception / édition : les fondamentaux visuels

Structure Bâtons

Objectifs
Articulation

Enseignement
Modules, signes, outils (Semestre 1) : Dans un travail de conception typographique, la grille est appréhendée pour son potentiel génératif et combinatoire. Il permet de comprendre le cadre de contrainte comme support à la créativité. L’exercice de création de caractère permet d’aborder différentes notions de bases et essentielles au sein d’un projet visuel, comme l’abstraction, la modularité, la variation et la recherche d’un équilibre entre homogénéité et hétérogénéité. Le projet sur l’ensemble d’un semestre, repose sur l’appropriation et la création de différents outils, comme support à la pratique et/ou constitutif de la pratique de manière à part entière. De la grille à la typographie, de la typographie à l’objet (normographe),de la typographie au graphisme (mise en espace/page).
Collection d'images, pour un espace éditorial (Semestre 2) : Si le premier semestre, aborde la question du visuel par la conception d’outil notamment par l’utilisation de techniques vecteurs, le second semestre permet d’envisager la question de l’image et de sa reproductibilité, en traitant la question du raster et de l’editing. L’image est abordée en tant qu’information au travers de son potentiel reproductible. La reproduction permet d’envisager l’image comme étant intégrée au sein d’un dispositif et permet de servir un discours. L’image reproduite ne renvoie pas à son original, elle est insérée au sein d’un continuum éditorial, accompagnée, encadrée et articulée par et avec d’autres images.

Méthode
Cours pratique ; proposition d’un sujet annuel, planification des phases.

Évaluation
Contrôle continu, rendus et exposés des travaux.

dessin d’espace

Axelle Grégoire

Objectifs
Acquisition des outils techniques (plan, coupe, perspective, axonométrie), des qualités sensibles et des notions nécessaires au développement d’un projet dans le champ du design d’espace (diagnostic et prospective) pour une autonomisation progressive de l’étudiant.

Enseignement
Boite à outils (Semestre 1) Dans le cadre de cet enseignement, le dessin est pensé comme mode de construction du regard et instrument de l’attention pour appréhender l’environnement naturel et construit mais aussi comme outil privilégié de l’artiste ou du designer pour la conception d’objet et d’espace. Ce cours s’organise suivant un modèle d’acquisition progressive d’une « boite à outils » graphique et analytique pour le design d’espace ; entre maitrise technique et expérimentation sensible. A travers une série de courts exercices, les étudiants expérimenteront différents aspects du dessin d’observation et du dessin analytique. Il s’agira en filigrane de comprendre l’enjeu des différents modes de représentation à travers des capsules de sensibilisation à la culture des arts visuels et un travail d’analyse d’images extraits de projets de design d’espace réalisé (conception d’espace public, architecture ou mobilier.)
Chantier de construction du regard (Semestre 2) A partir du récit de Georges Perec publié en 1975, Tentative d’épuisement d’un lieu parisien, les étudiants devront utiliser le dessin comme outil de description d’un lieu de leur choix. Il s’agira de le documenter de la manière la plus exhaustive possible. Cet exercice long permettra d’investir le grand format et de remobiliser les outils auxquels ceux-ci ont été initiés au premier semestre dans l’objectif de consolider cet apprentissage par la pratique. Pour clôturer ce travail, il sera demandé à chacun des étudiants de travailler sur la restitution de cette enquête et ainsi de réfléchir à la mise en espace de cette documentation.
Pour terminer l’année, il sera proposé aux étudiants de répondre à une commande individuelle émise par un professionnel mobilisant le dessin dans sa pratique (designer, architecte, artiste, dessinateur scientifique, illustrateur, etc.) autour des trois notions : Espace, temps, échelle.

Méthode
Chaque session de l’atelier est introduite par une capsule présentant une œuvre ou artiste/designer en lien avec la focale proposée par l’exercice : séquence, détail, temporalité, lumière, échelle... Les étudiants travaillent ensuite sous forme de travaux dirigés (TD). Chaque session de TD donnera lieu à un rendu et une évaluation. Tout au long de l’année, les étudiants sont invités à alimenter un carnet de croquis hors des temps de cours autour de la thématique « au dedans ».

Évaluation
Contrôle continu, attention et concentration en cours, implication et immersion dans les sujets proposés, restitution du carnet thématique.

image photographique

Alexandre Perigot

Objectifs
Appréhender l’image photographique sur le territoire de l’art contemporain, apprendre à maîtriser les outils photographiques de la prise de vue à son impression.

Enseignement
À travers deux exercices, l’un à propos du tableau vivant et l’autre du photo roman, l’enseignement croisera une approche théorique, esthétique et pratique à partir et autour de l’image photographique finalisée par une exposition.

Méthode
L’apprentissage et la maîtrise des outils photographiques se fait collectivement et individuellement en atelier et en exercice extérieur, l’approche de l’image photographique en art résulte de la production de chacun confrontée aux enjeux déployés par les artistes contemporains.

Évaluation
Évaluation continue, assiduité et engagement personnel.

Calendriers et bibliographies éventuelles
Semestre 1 : tableau vivant / Semestre 2 : photoroman
Paul Virilio,  « Esthétique de la disparition »
Gilles Deleuze, « Image temps Image mouvement »
Georgio Agamben, « Histoire des images »

prise de vue

Christl Lidl

Objectifs
Acquisition des bases d'une culture cinématographique comme préalable à la culture audiovisuelle mise en œuvre dans l'art vidéo. Capacité à travailler en groupe et à élaborer et à réaliser des plans audiovisuels. Autonomie dans la réalisation du tournage. Capacité à maîtriser les outils techniques. Capacité d'analyse des partis pris scénaristiques et du montage.

Enseignement
Initiation au montage et à la réalisation audiovisuelle Editing (semestre 1) & Remake (semestre 2).
L'apprentissage des bases techniques et méthodologiques de montage et de prise de vue se complète de la découverte des enjeux esthétiques de la narration audiovisuelle. Les exercices sont basés sur des œuvres manifestes de l'histoire du cinéma et à partir desquelles les étudiants découvrent et éprouvent par leur réalisations le langage cinématographique. L'initiation commence par un travail individuel de montage et se poursuit par un travail collectif de réalisation. Les vidéos produites par les étudiants sont présentées collectivement.

Méthode
Le cours est conçu comme une succession de séances liées les unes aux autres. Le montage est réalisé sur un thème défini par l'étudiant. Il met en évidence les choix opérés par l'étudiant à partir d'une matière filmique commune. Au 2ième semestre les étudiants travaillent en groupe. Chaque groupe élabore le 'Remake' d'une séquence de film et réalise les prises de vue. Les rôles techniques (chef opérateur / ingénieur du son / machiniste) de l'équipe de tournage sont assumés par le groupe. La réalisation appréhende les formes et les enjeux autant techniques qu'esthétiques des séquences des films.
Productions réalisées dans un dossier dédié.

volume

Claude Cattelain

Objectifs
L’objectif principal est d’entrer dans un rythme de travail régulier et soutenu permettant d’esquisser un lien de plus en plus étroit avec l’expérimentation artistique. Tout en acquérant au fur et à mesure des bases techniques, il s’agit de développer son goût de l’exploration, ainsi que sa curiosité aux mondes sensibles qui nous entourent.

Méthode
L’atelier est le laboratoire, c’est le lieu de tous les possibles où s’élaborent et se développent les expérimentations, où la pratique plastique se construit, se donne à voir, s’analyse et se critique. C’est d’abord par des exercices hebdomadaires, que l’étudiant.e engage sa créativité, sans s’appesantir dans des finitions élaborées, mais plutôt en privilégiant une vivacité à rebondir. Le travail à l’atelier privilégie l’économie de moyen, notamment par l’utilisation de matériaux de récupération. Les différents exercices s’accompagnent peu à peu de l’exploration des pratiques traditionnelles comme le modelage, le moulage, l’assemblage, le travail du bois et du métal en valorisant les techniques disponibles dans l’atelier et la connaissance des outils. Un souci particulier est apporté à la place du corps dans les réalisations. Mais l’atelier est aussi un lieu d’échange et de discussion, où chacun(e) est amené(e) naturellement à parler de son travail et du travail des autres et où les questions et les doutes peuvent s’exprimer librement.

Le rythme de rendu bi-mensuel se construit selon un schéma valable toute l’année :

  • Conception et réalisation d’une proposition plastique répondant à un exercice demandé.
  • Mise en valeur de la réalisation avec photo(s) et capacité orale à accompagner son travail.

Beaucoup de discussions autour d’artistes engagés ( plasticiens, cinéastes, musiciens, chorégraphes… Miroslaw Balka, Gregor Schneider, Francis Alys, Richard Serra, Bas Jan Ader, Werner Herzog, Stanley Kubrick, Steve Reich, Pina Bausch … ) alimenteront les recherches à l’atelier.

Évaluation
Contrôle continu,
Assiduité, motivation,
Capacité d’expérimentation,
Qualité et pertinence des rendus A et B.

formes utiles

Martial Marquet

Objectifs
Ce cours se présente comme une découverte du champ élargi du design.

Enseignement
Dans un premier temps nous questionnerons le rapport forme/usage à travers une série d'expérimentations en maquettes et prototypes échelle 1. les étudiants seront amenés à confronter leur propres productions aux contraintes environnantes  allant de la pesanteur terrestre à l'usage intensif d'un objet.
Dans un second temps la production s'orientera vers une recherche constructive de l’échelle de l'objet à celle de l'espace en plaçant la question de la forme au-delà de celle de l'usage et de la possible appropriation de ses propres créations par autrui. L'enjeu sera de produire de nouveaux « modèles » à partager à l'instar d'Enzo Mari dans Autoprogetazzione.

Méthode
Séance en atelier et atelier volumes, cours techniques et travaux dirigés.

Évaluation
Contrôle continu  - rendus et exposés des travaux.

Calendrier et progressivité
Recherche documentaire sur des travaux d'artistes ou de designer, identifier les besoins du projet du point de vue du matériau : en expérimenter les possibilités et les limites conceptuelles, usuelles, structurelles et formelles**
Concrétiser un projet par la réalisation d'itération intégrant les conclusions des recherches précédentes.

**Restitution et archivage : pièces en volume, dossier iconographique regroupant les expérimentations réalisées au cours du semestre.

couleur/espace

Nicolas Guiet

Objectifs
Mise en pratique de l'adage « faire espace avec la couleur ». Sans pré-supposer de techniques ou d'approches plastiques prédéfinies, les étudiants seront confrontés à cette question autrefois investie majoritairement par la peinture, dans une dimension et une considération contemporaine pouvant embarquer de nouvelles technologies et une relation tridimensionnelle à la couleur ayant alors l'espace comme support.

Enseignement
Partant du plan, de la masse bidimensionnelle, de ses traitements amenant à la création d’espaces plastiques par la couleur, les étudiants sont conduits à réduire la distance entre espace présent et espace représenté. Ils expérimenteront les différents “véhicules” de la couleur (pigment, lumière, matériaux, outils, etc.). Ils étudieront les langages et les grammaires propres à la couleur, et son articulation avec un support. Sur cette base, c’est également l’étude des relations entre la forme et le format, le volume et la surface qui sera abordée.

Méthode
Le temps de travail est découpé par des exercices réguliers et rapides confrontant l’étudiant aux questions fondamentales induites par l’utilisation de la couleur dans sa relation à l’espace, au contexte. Ces exercices correspondent à la chaîne d’élaboration d’un projet plus global qui sera mis en œuvre en fin de semestre.
Le travail pratique est couplé à des présentations de travaux historiques et contemporains sur ces thématiques.
Suivi individuel autour des projets plastiques et discussions collégiales.

Évaluation
Contrôle continu basé sur le caractère expérimental et prospectif, l’originalité et la pertinence de la proposition initiale en articulation avec son développement et les solutions plastiques envisagées pour la mettre en œuvre durant les semestres.

gravure

Delphine Mazur

Objectifs
Développer une pratique expérimentale qui amène l’étudiant à une réflexion sur l’image et son contenu.
Acquérir et maîtriser l’ensemble des techniques liées à la gravure.
Cet atelier vise la réalisation d’éditions qui mêle les techniques de la gravure (et/ou sérigraphie et/ou découpeuse laser selon projet), comme le prolongement d’une pratique du dessin.
L’appréhension de ces différentes techniques, qui permettent la production de multiples, invite les étudiants à s’interroger sur les notions de double, d’original, de copie et la question de la reproductibilité d’un œuvre d’art.

Méthode
Collectivement et individuellement, le projet éditorial aboutit au 1er semestre.
Contrôle continu, assiduité et engagement, compréhension du sujet, qualité du travail.

histoire et théorie du design

Elizabeth Hale

Objectifs
-

Enseignement
-

Méthode
-

Évaluation
-

histoire et théorie de l’art

Christophe Leclercq

Objectifs
Comprendre la recherche d’un ou de plusieurs artistes et sa relation à son environnement social et politique : une histoire sociale de l’art.
Assimiler les repères historiques fondamentaux dans le champ de l’art moderne.
Apprentissage de l’expression orale et écrite.

Enseignement
Recherches artistiques [semestre 1]
Partant des sources de la modernité, le cours propose d’étudier différentes trajectoires artistiques individuelles et collectives, à partir d’œuvres de références et de textes théoriques du début du 20ème siècle. Il s’agit d’appréhender les différentes pratiques artistiques - peinture, sculpture, etc. - et de saisir ce qui constitue une recherche artistique. Réflexion sur les notions d’avant-garde historique, de manifeste, de représentation et d’abstraction, ainsi que sur les inventions techniques (collage, assemblage, etc.) dans l’art moderne.
Art et société [semestre 2]
A partir d’une sélection de lieux d’enseignement en art, de manifestes, d’expositions et d’oeuvres de référence, le cours examine plus particulièrement les relations entre art et société, à une époque marquée par deux conflits mondiaux apparus en Europe, et par l’importance de la reproductibilité technique dans le champ de l’art (photographie, cinéma). On s’intéressera notamment aux institutions ou collectifs favorisant ce qu’il est possible de désigner comme une approche environnementale de l’art, favorisant le décloisonnement de certaines disciplines artistiques ou bien leur extension dans l’espace. On étudiera ainsi les rapprochements entre art, design et architecture au Pays-Bas, en Russie et en Allemagne (De Stijl, Bauhaus, etc.). Réflexion sur la relation entre art et politique, et les notions d’œuvre d’art totale, de pluridisciplinarité et d’interdisciplinarité.

Méthode
Cours magistraux, visites d’expositions, débats, analyses de textes et documents partagés (chronologies, liste des œuvres, écrits théoriques).

Évaluation
Chaque semestre donne lieu à une évaluation finale, écrite (S1) puis orale (S2). L’assiduité et la participation aux enseignements font également partie des éléments évalués.

ressources et documents

Christophe Leclercq

Objectifs
Appréhender les méthodologies de recherche.
Développement d’un sens critique.
Appropriation des références.

Enseignement
Il s’agit de découvrir et de développer l’activité de recherche d’informations en ligne et hors ligne (centre de ressources) et la constitution d’une base de données nécessaires à l’élaboration d’une méthode de travail et à la mise en place d’une problématique personnelle. Ce afin de donner à chacun l’envie de déterminer sa propre constellation d’artistes à partir de lectures, d’œuvres et de problématiques singulières. Le premier semestre est consacré à l’observation, la description et l’analyse d’oeuvres d’art et documents de nature diverse, en relation avec des expositions visitées. Il est alors proposé, lors du second semestre, de cartographier un sujet d’investigation choisi par les étudiants avec l’aide du professeur. Il s’agit ainsi d’une première approche d’un travail théorique personnel qui aboutit à la finalisation d’un document portant sur les références artistiques et documentaires de l’étudiant. Ce travail doit permettre d’aboutir à l’énonciation d’une problématique et d’une pensée en relation avec la pratique plastique.

Méthode
Recherches en bibliothèque, rendez-vous individuels et collectifs, exposés, micro-éditions.
Dans le prolongement des cours, les étudiants doivent mener des travaux de documentation et de recherche, individuellement et collectivement.

Évaluation
Contrôle continu, assiduité, participation, respect des délais, recherches personnelles.

actualité de l’art et du design en anglais

Stéphanie Mahieu

Objectifs
Accéder à une pratique de la langue anglaise la plus naturelle et contextualisée possible, au travers de l’étude active de l’actualité de l’Art et du Design en anglais. Une attention particulière est accordée aux compétences communicationnelles, en tenant compte du niveau de chacun.e. L’objectif principal pour les étudiant.e.s est d’être capable, lors des workshops et projets à l’étrangers, de présenter son travail en anglais de manière efficace et compréhensible à des interlocuteurs non-francophones.

Enseignement
Les cours d’anglais à l’ESAD consistent en des cours d’actualité de l’art et du design enseignés en anglais plutôt que des cours de grammaire anglaise. Ils sont inspirés de la méthode CLIL (Content and Language Integrated Learning) qui consiste à enseigner une discipline en anglais, en combinant apprentissage linguistique et apprentissage de disciplines spécifiques.
En suivant ce principe, les cours d’anglais suivent l’actualité internationale de l’art et du design. Il se basent sur une combinaison de lectures commentées d’articles issus des pages art et design de journaux et revues généralistes (tels The Guardian, The New York Times, The Atlantic) et spécialisés (tels ArtNews, Artdaily, Dezeen, CityLab, DesignIndaba…), de visionnage de documents audiovisuels, d’écriture de textes et de prise de parole devant la classe sous forme d’exposés, de performances, voire de l’organisation et de la prise en charge d’une séance thématique.

Méthode
Chaque séance aborde une thématique distincte, inspirée de l’actualité de l’art et du design dans le monde (expositions, biennales, sorties de livres, de films, …). Elle se déroule selon le même principe : une lecture commentée d’article, complétée par le visionnage d’une vidéo relative au même sujet (en anglais sous-titré anglais), souvent issue du site TED, mais également des films documentaires ou de séries (TateShots, Art21, Série Abstract, BBC Art…). L’un des principes sous-jacents de l’enseignement de l’anglais à l’ESAD est de donner aux étudiants les outils et l’envie de l’auto-apprentissage de la langue, dans la perspective de leur vie professionnelle future.

Évaluation
Contrôle continu basé sur la présentation régulière d’exposés oraux et de travaux écrits tout au long de l’année.

dessin modèle vivant

Delphine Mazur

Objectifs
-

Enseignement
-

Méthode
-

Évaluation
-

vidéo

Christl Lidl

Objectifs
-

Enseignement
-

Méthode
-

Évaluation
-

module design

-

Objectifs
-

Enseignement
-

Méthode
-

Évaluation
-

module art

-

Objectifs
-

Enseignement
-

Méthode
-

Évaluation
-

histoire culturelle du design

Elizabeth Hale

Objectifs
De la cuisine rationalisée de l’éducatrice Catherine Beecher au Toaster project du designer Thomas Thwaites, du mouvement écologiste des années soixante-dix à Extinction Rebellion, ce cours d’histoire(s) alternative(s) du design cherchera à étudier et questionner les définitions du design existantes depuis son essor.

Enseignement
Au cours du premier semestre il s’agit de nous plonger dans une première découverte des définitions du terme design ainsi que son histoire. Ces cours à thèmes couvrent une étude du mot mais aussi la pluralité des genèses possibles et discutés dans l’histoire du design. Par une entrée historique qui débutes avec l’Exposition universelle de Londres en 1850 et en s’appuyant ensuite sur les mouvements tels que les Arts & Crafts, l’orientalisme, le fonctionnalisme, le mouvement Shaker et le Bauhaus nous accorderons aussi une place aux figures oubliées ou moins visibles qui ont marqué l’histoire du design. Au cours du deuxième semestre cette étude évoluera afin de considérer les thématiques majeures du design : l’impact de la globalisation, de la société de consommation et de la production en série… Nous ferons également référence aux réponses des designers radicaux italiens (Munari, Mari, Sottsass…) afin d’ouvrir vers des pratiques telles que le système D, le biomimétisme, le slowdesign…
Cette première année permet de retracer les courants « piliers » du design en relation avec leur contexte social, culturel, politique et économique, dans un va et vient constant avec leurs résonances contemporaines.

transversalités

Antinéa Féron

Objectifs
S’exercer à l’expression écrite et orale, dans une activité cognitive conjointe de l’histoire de l‘art et du design. Expérimenter l’interprétation des œuvres par la verbalisation en s’ouvrant aux questionnements, à une pensée analytique (discourir, raisonner, argumenter) et à un exercice de l’imaginaire (interpréter, inventer). S’interroger enfin sur les relations, les interférences et les convergences, voire les hybridations entre art et design

Enseignement
Le cours propose de mettre en confrontation des œuvres de l’histoire du l’art et du design de manière simultanée, de sorte à interroger les catégories auxquelles elles appartiennent, les anciens clivages qui les sépare, les frontières qui tendent à s’estomper, notamment depuis le début des années 80. Cette mise en parallèle permettra d’aborder également les la rencontre de ces œuvres sera le tremplin à de multiples approches : dans un premier temps, quels mots pour ces œuvres, comment les comprendre et les décrire? Comment peuvent-elles solliciter l’imaginaire dans l’écrit de fiction ou poétique ? Mais aussi, dans un second temps, de mettre en œuvre une réflexion sur les mutations de ces pratiques, le dépassement des définitions et des distinctions entre art et design.

Méthode
Ateliers (oral) : mise en présence et expression orale (élargissement du champ lexical)/ interprétation simultanée et consécutive)- Ateliers (écrit) : descriptions et récits fictionnels fondés sur la puissance évocatrice des œuvres. Cours magistraux : caractéristiques et structures du récit descriptif. Introduction à une approche sémiologique.

Évaluation
Contrôle continu et semestriel : constitution d’un recueil de notes, d’écrits, de textes et citations, et d’une sélection iconographique. Assiduité et participation. Capacités d’observation et d’analyse, prise de parole, qualités de transposition verbale, rigueur de la forme rédactionnelle. Enrichissement des champs lexicaux, motivation à la lecture et à la recherche de documents.